Meine sehr verehrten Damen und Herren,
Erneut ist es dem IGNIS dank der Kontakte und der unermüdlichen Organisationsarbeit von Gunter Demnig gelungen, ein spannungsreiches und vielfältiges Zusammentreffen in Köln einzuberufen. Diesmal sind sechs Künstler und Künstlerinnen aus vier Ländern beteiligt, zusätzlich gestalten drei Künstler das Programm des heutigen Eröffnungsabends. Dem in der englischen Sprache doppeldeutigen Sinn des Wortes "Coincidence" folgend, handelt es sich zum einen wieder um eine internationale Begegnung, der zum anderen keinem inhaltlichen oder sonstigen roter Faden folgt - sehr unterschiedliche Positionen der aktuellen Kunst werden präsentiert, und darüber hinaus wirft die Ausstellung auch einen Blick zurück auf das 20. Jahrhundert, und zwar aus der Perspektive der Fotografie.
Die ungarische Fotografienfamilie Fiedler/Zarand, mit dem Großvater
Janos Fiedler, dem Vater Zarand Gyula und dessen Sohn Gyula Zarand,
vermitteln in ihren Arbeiten lebendige Eindrücke von der Entwicklung der ungarischen Fotografie
seit ca. 1890 und geben zugleich einen Einblick in die Stilgeschichte der Fotografie im
vergangenen Jahrhundert.
Der Großvater mütterlicherseits (daher der Namensunterschied), Jànos Fiedler, wurde 1873
geboren und starb 1953. Sein abenteuerliches Leben führte ihn weg vom ungeliebten Architekturstudium
zu einem Zirkus, mit dem er als Bauchredner durch ganz Europa tingelte und 1916 sogar am Hofe des
Zaren Nicolaus II im Sankt Petersburger Winterpalais auftrat. Bereits um 1890 kaufte er sich eine
13 x 18 Kamera und wurde Fotograf aus Leidenschaft, doch leider sind von seinem Gesamtwerk nur
eine Serie von weiblichen Akten und einige Kinderbildnisse aus dem Zeitraum zwischen 1890 und 1920
erhalten geblieben. Jànos Fiedlers Fotografien sind still und intim. In seinen Aktaufnahmen
scheint sich bereits die Kunst eines Frantisek Dritikol anzukündigen, und seine Porträts,
hier besonders das Doppelporträt zweier kleiner Kinder, weisen ihn als aufmerksamen und
scharfen Beobachter seiner Epoche aus.
1913 wurde im ungarischen Teil von Transsylvanien Fiedlers Sohn Gyula Zarand geboren. Er studierte
Photographie, und später, nach dem Umzug der Familie nach Budapest, lernte er im Budapester
Fotografen-Atelier Keller. In den dreißiger Jahre machte sich Zarand als Studiofotograf
selbständig. Er liebte die spezifischen Effekte, die mit der schwarz-weiß-Fotografie zu e
rzielen waren, und untersuchte in seinen Aufnahmen die fotografischen Effekte von Licht und Schatten,
Transparenz und Oberfläche. Seine Studien zeigen ihn als Kind seiner Zeit, künstlerisch ganz
auf der Höhe der Bauhaus-Ästhetik und nahe an den Experimenten der progressiven Fotokünstler
Russlands und Osteuropas. Auch die Einflüsse des Surrealismus sind in seinen Werken spürbar,
und für die Porträts seiner Frau Johanna prägte er den eigenen Begriff des Sur-Impressionismus. Auch als Dokumentar- und Porträtfotograf betätigte sich Gyula Zarand. Er starb im Alter von 50 Jahren 1963.
Sein Sohn, der ebenfalls den Namen Zarand Gyula trägt, kam 1943 in Budapest zur Welt, wo er bereits
mit 15 in die Fußstapfen seiner Vorväter trat. Nach seinem Hochschuldiplom in Fotografie und
Journalismus arbeitete er als Fotoreporter für diverse Zeitschriften. Besonders interessierten
ihn von Anfang an die sozialen und politischen Verhältnisse in seiner Heimat Ungarn.
Stets eignet ihm ein kritischer Blick auf die gesellschaftlichen Themen seines Landes, und seine
Reportagen über Psychiatrie, Alkoholismus, Randgruppen und Straßenkinder machen die zwischen
1958 und 1971 in Ungarn entstandenen Fotografien zu wichtigen zeithistorischen Beiträgen,
deren Brisanz dazu führte, dass über einige dieser Aufnahen Publikationsverbot verhängt
wurde. Sicher auch über das Foto eines Kindes, das neben paradierenden Soldatenstiefeln
unbehelligt einherschreitet. 1971 siedelte Gyula nach Paris über, wo er seither lebt und arbeitet.
Ein Schwerpunkt seiner Arbeit ist, neben der Dokumentarfotografie, seine Zusammenarbeit mit
französischen Dichtern und Schriftstellern. In Paris fotografierte er das alltägliche Leben und
die Straßen und Schauplätze des alten Paris. 1987 kaufte das Pariser Museum für Moderne Kunst
ein Konvolut seiner in Ungarn entstandenen Dokumentarfotos an. 1990 bis 1995 unterrichtete er sein Metier
an der Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs. Heute arbeitet er für die Photoagentur
Rapho.
An den Werken der Fotografenfamilie Fiedler/Gyula lassen sich verschiedene Entwicklungen des
20. Jahrhunderts exemplarisch verfolgen: Die Geschichte der Fotografie von der gestellten,
inszenierten Atelieraufnahme über die Auseinandersetzung mit strukturellen und
wahrnehmungspsychologischen Phänomenen bis zum sozialkritischen Fotojournalismus der Gegenwart ist
in den Arbeiten der Künstler präsent, ebenso wie die Geschichte Ungarns, die in diesen Fotos,
ganz unabhängig von ihrer künstlerischen Entstehung, ebenfalls in einprägsame
Momentaufnahmen gebannt wurde.
Bożena Szlachta wurde 1955 im polnischen Wrocław geboren, wo sie in den siebziger Jahren ihr Kunststudium
absolvierte. Seit 1982 lebt die Künstlerin in Deutschland. Heute ist sie in Niedenstein bei Kassel
ansässig.
Szlachtas Metier ist die Druckgraphik, mit deren Methoden - und mit vielen darüber hinausreichenden
Mitteln - sie seit zehn Jahren arbeitet. Doch nicht so sehr die simple, von dem Druckprozeß geleistete
Vervielfältigung einer Bildvorlage interessiert sie an diesen Techniken. Vielmehr sind es die
spezifischen Ausdrucksformen der Graphik und - mehr noch - die prinzipielle Möglichkeit der
Übertragung von bildlichen Informationen von dem einen zu einem anderen Material. Es sind die
elementaren Grundlagen der Graphik, die sie experimentell ausweitet zu einem technischen Repertoire,
mit dem sie ganze Rauminstallationen erstellen kann. Ein Beispiel eines solchen raumgreifenden
Graphik-Environments stellt sie uns, mit der Arbeit "Sabeth", heute hier im Ignis vor.
Ihre graphischen Werke sind konsequenterweise Unikate. Einen wahrhaft "tragenden" Part spielt in
diesem Zusammenhang die Matrize, die bewußt so ausgewählt wird, dass sie sich schon auf Grund ihrer
physischen Beschaffenheit für eine serielle Auflagenedition nicht eignet; kurzlebige Materialien wie
Kartonagen, Verbundmaterialien, Folien, Plastikteile, dünne Aluminiumplatten und anderes nutzen sich im
Laufe des Umdruckprozesse so rapide ab, dass kein Blatt dem anderen gleicht und trotzdem die eigenwillige
Materialstruktur erhalten bleibt. Diesen an sich schon untypischen druckgraphischen Materialien prägt
die Künstlerin - mit Farben oder durch Ritzungen - ihre persönlichen Spuren und Zeichen auf, was
die Originalität jedes Exemplars zusätzlich steigert. Mittlerweile hat Bożena Szlachta auch das
Spektrum ihrer Trägermaterialien erweitert. Da ihr nämlich die Arbeit mit Papier die
Beschränkung auf festgelegte Größenverhältnisse aufzwang, verwendet sie neuerdings
Baumwolle als Untergrund für ihre Arbeiten. Das textile Naturmaterial erlaubt - nicht zuletzt
aufgrund seiner Handelsform als Meterware - Arbeitsprozesse, die mit Papier z.B. so nicht zu erreichen sind.
Gerade zur Realisierung ihrer Installationskonzepte eignet sich der Stoff hervorragend, da er eine
Platzierung der Bahnen im Raum erlaubt und sich von der Fläche leicht zum dreidimensionalen Objekt
verformen lässt.
Inhaltlich läßt sich Bożena Slachta gerne von literarischen Themen inspirieren. Schrift spielt
daher eine sichtige Rolle für die Künstlerin. "Sabeth", der Name ihrer akutellen Arbeit,
ist ursprünglich der Titel eines Märchen-Hörspiels von Günther Eich, welches dieser vor
ge-nau 50 Jahren schrieb. Es handelt von einem Raben und dem kleinen Mädchen Elisabeth, dessen
Namen der Rabe nicht aussprechen kann und sie Sabeth nennt. Er ist so groß, dass Elisabeth mit ihm
fliegen kann. Der Rabe lernt, wie ein Mensch zu sprechen, doch je besser ihm dies gelingt, desto
schneller vergisst er. Mit dem Lernen der Menschensprache geht der Verlust der Ursprache einher.
Übergeordnetes Thema ist der Identitätsverlust des Individuums. Günter Eich sah in dem
Raben aus "Sabeth" das Erinnerungsbild an eine vormenschliche Zeit, als die Wahrheit der
Phantasie noch unbeeinträchtigt von Vernunftdiskursen existierte.
Mit Gespür für diese Wahrheit der Phantasie wählt Bożena Szlachta die
einzelnen Bestandteile der Erzählung aus, ordnet sie und fügt sie zu einer
eindrucksvollen Raumgraphik zusammen.
Auch die in Köln ansässige Künstlerin Ulrike Hein hat sich immer wieder mit Räumen,
auch mit Außenräumen, auseinandergesetzt. Als eines ihrer bevorzugten Materialien
hat sie einen Stoff auserkoren, der eigentlich gar keiner ist, aber jeden Raum füllt: Die Luft.
Ein durchaus verwegener Gedanke für eine Bildhauerin.
"Luft ist ein Argument in meiner Kunst", sagt Ulrike Hein. Und dies schon seit geraumer Zeit.
Am Anfang stand die philosophische Auseinandersetzung mit dem Phänomen des "Pneuma", einem
Begriff aus der griechischen Stoik, der weit mehr bezeichnet als nur unser lebensnotwendiges Gasgemisch -
der nämlich dessen im Odem vollzogene Verlebendigung als Prinzip des reinen Geistes benennt. Pneuma
ist, symbolisch betrachtet, der Windhauch, der alles Immaterielle überträgt und omnipräsent
erscheinen läßt. Auch ganz banale Verlaufsformen der Realität übertragen sich - so sieht es
Ulrike Hein - durch Luft, denn schließlich umgibt diese ständig alles. "Retour de Paris"
hieß eine Außenraumarbeit von Ulrike Hein, die die Luft als Irritationsmoment einsetzte.
In einen Pariser Park baute sie 1995 einen Schacht, aus welchem ein Gebläse Luft in die Umwelt pustete.
Natürlich völlig zur Überraschung der Passanten, die in der frischen Luft des Parks wohl
kaum mit künstlich erzeugtem Wind rechneten. In einer anderen Arbeit, die auch während ihres
Paris-Stipendiats entstand, pumpte Ulrike Hein an verschiedenen für sie wichtigen Orten der Stadt
Luft in Fahrradschläuche und ließ die Aktion dokumentieren. Pariser Luft. Haftete dieser
Idee noch etwas Scherzhaftes an, so ist die hier im Ignis realisierte Arbeit "Luft - 100 Dollar"
einer weniger leichten Thematik gewidmet Geldscheine verschiedener Länder hat sie verarbeitet;
im Mittelpunkt ihrer Präsentation steht eine mit all ihren Macken und Gebrauchsspuren riesenformatig
auf eine Aluminiumkonstruktion vergrößerte 100-Dollar-Note. Begleitet wird diese zentrale
Arbeit von mehreren überarbeiteten Originalgeldscheinen - lauer Hunderter - verschiedener Länder
- also ein wahrhaft internationaler Beitrag. Nähert man sich diesem senkrecht an der Wand
befestigten Alukasten mit dem geradezu symbolischen Bild des Geldes darauf, so verspürt man einen
daraus hervorwehenden Luftzug, denn die Künstlerin hat zwei senkrechte Belüftungsschlitze
hineingeschnitten, als wolle sie den ohnehin nur als Abbild einer selbst - also als Schein -
gegebenen Schein durch die Luftigkeit der Installation noch zusätzlich verflüchtigen.
Einerseits ist jede Banknote schließlich nur ein (Schein-)Bild des von ihr repräsentierten
Werts, andererseits verkörpert sie Besitztum pur. Ulrike Hein hat ihre Hunderter keineswegs
zufällig aus den Währungen dieser Welt ausgewählt: ihre Favoriten sind Dollar,
D-Mark, Rubel und Schweizer Franken. So empfand sie den Umstand, daß die Schweiz auf ihrer
100 Franken Note ein Werk Alberto Giacomettis abbildet, als Herausforderung zur künstlerischen
Weiterverarbeitung ausgerechnet dieses Papiers. Besonders faszinierte sie, dass die Hunderter in
jedem vertretenen Land einem eigenen Wert entsprechen, und dass jede Nation ihre eigene Mentalität im
Umgang mit der Währung entwickelt hat. Daß Ulrike Hein ohne moralische Skrupel Geldscheine zu
Kunstwerken umfunktioniert, wirft mit provokant-ironischem Blick auf den Kunstmarkt schließlich auch die
Frage auf, ob hier eine Auf- oder Abwertung stattfindet. Geld und Luft sind zwei wahrlich ungewöhnliche
plastische Werkstoffe. Ulrike Hein gelingt es, beide Komponenten i intelligenten und hintersinnigen
Bildideen zu verknüpfen.
Der Maler Hussam Al Basam, der sechste im Bunde des aktuellen Kölner Zusammentreffens, wurde im
Irak geboren und lebt und arbeitet sein fünfzehn Jahren in Köln. Al Basam ist Maler mit
Herz und Seele, sein Lebenselixier ist die Farbe, und diesem Grundsatz ist er treu geblieben,
seit er sich in den siebziger Jahren zu seinem Beruf entschloß. Doch blickt man von den aktuellen,
hier ausgestellten Arbeiten zurück auf sein Oeuvre der letzten Jahre, so stellt man
eine beachtliche Weiterentwicklung fest. Zwar bewegte sich sein Werk stets zwischen Abstraktion
und freier Gestik, doch hatte Al Basam zuvor den Erinnerungs- und Assoziationsbrücken
zur sichtbare Realität noch einen wichtigen Platz eingeräumt, so hat sich sein malerischer
Duktus mittlerweile von den gegenständlichen Themen beinahe gänzlich emanzipiert.
Die Farbe und die malerische Bewegung haben eine Eigendynamik entfaltet, die kaum mehr Halt in der Welt
der wirklichen Dinge braucht. Nur ganz selten noch stößt das Auge des Betrachters auf Andeutungen von
Dingen oder Lebewesen, die sich aber im nächsten Moment bereits im gestischen Wirbel der Farben
wieder verlieren. Manchmal lenkt der Künstler unsere Phantasie durch seine Titel auf eine
Fährte in der Welt der greifbaren Realität. "Kaiserfisch" heißt eines dieser
Farbsprühenden Bilder, und in der Tat kann man, wenn man will, die Konturen eines großen
Fisches aus dem Bildgeflecht ausmachen. Oder man kann in einem anderen Gemälde die Bewegungen
des Pinsels als den Körper eines Matadors deuten: Stierkampf. Doch bleibt die gegenständliche
Fixierung offen und mehrdeutig.
Parallel zu der "Entwirklichung" seiner Bildwelt hat sich der Künstler experimentelle
Arbeitstechniken angeeignet, mit denen er auf den neuartigen Freiheitsdrang seiner Farben und Formen
angemessen reagiert. Al Basam arbeitet neuerdings mit einem Lack aus Seidenacryl, der den damit gemalten
Partien eine dichte, deckende Oberfläche verleiht. Mit dem spitzen Ende des Pinsels ritzt und
kratzt er diese Flächen teilweise wieder auf und schafft so Durchblicke auf darunter verborgenen
Farbschichten. Für die kleineren Papierarbeiten wählte Al Basam als Untergrund
handgeschöpftes Büttenpapier, dessen rauhe, fast reliefartige Struktur der Unruhe seiner
Gestik entspricht. Auch das Kolorit hat sich geändert. Stand ehedem das tiefe Blau der Assyrischen
Epoche seines Heimatlandes im Mittelpunkt seiner Palette, so hat er diesem nun ein leuchtendes, manchmal
ins Orange driftendes Gelb als Komplementär hinzugesellt, wodurch die Spannung der Bilder immens
gesteigert wird.
Vergleichbar mit der Befreiung vom Gegenstand zur ungebundenen malerischen Gestik hat Al Basam
als weiteren Entwicklungsschritt seine Bilder von der Fläche in den Raum hin ausgeweitet, und
zwar mit durchaus ungewöhnlichen Mitteln. Der Bildträger selbst, also die Leinwand,
wird mit Hilfe von räumlichen Objekten ausgeformt - der Künstler nennt dies seine
"verbogenen" Bilder. Teile von Möbelstücken ebenso wie Materialien aus Bau-
und Hobbymärkten dienen seinem Anliegen, die Flachheit des Gemäldes zum Relief und
schließlich zum skulpturalen Objekt hin zu erweitern. Und auch die äußere Form des Bildes
hat längst das Rechteck überwunden: Ein aus einer Keramikschale bestehender Tondo, ein
bogenförmiges, abgerundetes Dreieck oder trapezförmige Bilder gehören zum formalen
Repertoire in seinem neuen Oeuvre. So dynamisch wie seine Bilder ist der Veränderungsprozess,
der sich in Hussam Al Basam Werk vollzieht. Auf seine weitere Entwicklung darf man gespannt sein.
Die arabisch Welt ist heute außergewöhnlich stark vertreten hier im Ignis, das offenbar
den Begriff Osten immer weiter definiert. Ich freue ich mich persönlich ganz besonders,
eine gute Freundin und Kollegin aus Kairo hier im Ignis begrüßen zu dürfen,
Dr. Fatma Ismail, die uns jetzt als Beitrag zum heutigen Abend ihr Kurzvideo "Windows"
zeigen wird. Die Arbeit entstand aus dokumentarischen Filmaufnahmen von einem experimentellen
kunstpädagogischen Stadtteilprojekt, welches sie, gemeinsam mit Künstlerkollegen,
in Kom Ghourab, einem der ärmsten Viertel der Metropole, durchführte.
Bilder aus dieser Dokumentation hat sie mit der abweisenden Stahl-Glas-Front eines
jener gesichtslosen Konzern-Wolkenkratzer konfrontiert, wie sie die Großstädte
dieser Erde allerorten verunzieren.
Im Anschluß an die Vorführung des Videos werden dann Alexander Schmid und Ruth Knecht
ihre Performance "Blubbern" zum Besten geben.
Dr. Sabine Schütz
zum Ausstellungsverzeichnis
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Hussam Al Basam, Irak (Bilder)
Mit freundlicher Unterstützung der Stiftung Kunst und Kultur des Landes NRW